WALLACE & GROMIT - LA MALEDIZIONE DEL CONIGLIO MANNARO, Nick Park & Steve Box, GB 2005

Ombre oscure incombono sull’annuale Fiera dell’Ortaggio Gigante: un coniglio mostruoso minaccia le verdure degli impauriti coltivatori. Toccherà alla squadra di salvaguardia vegetale “Anti-Pesto” vegliare sugli inermi bulbi.

In attesa del post di Tommy su Wallace e Gromit, ripeschiamo, riaggorniamo e volentieri ripubblichiamo...

VENEZIA 62, I SEGRETI DI BROKEBACK MOUNTAIN, Ang Lee, 2005

1963, Wyoming. Jack e Ennis sono due giovani cowboy, di quelli che mangiano tabacco e lo sputano a terra da mane a sera, di quelli che nel tempo libero fanno i rodeo o spaccano la legna. Due omaccioni veri, insomma. Costretti a causa della loro situazione economica, a lavorare per un'intera stagione nel luogo del titolo pascolando pecore, i due, completamente isolati, stringeranno prima amicizia e successivamente una storia d'amore. Tornati alla vita reale si faranno una "normale" vita: chi sposerà una ricca ereditierà (Jake Gyllenhaal), chi invece continuerà a fare il cowboy duro e solitario con moglie e tre figli a carico (Heath Ledger), ma il ricordo di quella relazione non accenna ad andarsene. Ang Lee segue poi i successivi vent'anni di storia, in cui i due uomini porteranno avanti la loro storia, cercando di ritagliarsi uno spazio privato all'interno di un mondo e di una società ovviamente non ancora pronta ad accettare la loro relazione: tra mogli gelose, genitori ingombranti e il razzismo immaginabile in quel periodo tra Texas e Wyoming. Tratto dal romanzo breve di E. Annie Proulx, una storia d'amore toccante, tra due uomini che trovano l'uno nell'altro la parte mancante della loro vita per essere felici, la realizzazione di un sogno inconfessabile e da tenere nascosto, non solo a causa dell'impossibilità di uscire allo scoperto, ma anche per la gelosia che si prova per le cose belle. I due, pur profondamente diversi l'uno dall'altro, riescono a scacciare la loro inquietudine solo nei rari momenti passati insieme. Contro ogni mia aspettativa, Ang Lee è riuscito a realizzare un buon film, delicato e toccante, in cui riescono a trovare spazio, oltre alla storia d'amore principale, anche altri interessanti aspetti tra cui le dinamiche tra padri e figli e uno sguardo piuttosto lucido su un Paese in lenta trasformazione come l'America di quegli anni. (trasformazione lentissima, visto che nello Utah, anno 2006,  il film è stato bandito). Ottima la prima parte del film, quella ambientata a Brokeback Mountain, fatta più d'atmosfera che d'altro - concentrata com'è sui campi lunghi e sulla dilatazione temporale - personalemente superiore alla seconda parte del film, decisamente più canonica (anche se più che piacevole).  Aggiungiamo sconfortati che il film esce in Italia VM 14, che non solo è stato aggiunto quel I Segreti di... che ci sta a dire poco, ma che si è voluto tradurre anche l'orrendo sottotitolo "L'Amore è una Forza della Natura", che più ci penso e più mi sembra una cazzata. Rivisto a Bologna, segnalo, amareggiato, che durante il primo rapporto tra i due in sala si sono sentiti parecchi risolini d'imbarazzo.  

FEDEmc

 PAROLE D'AMORE, Scott McGehee & David Siegel, USA 2005

(Attenzione: tasso di spoiler 110%. Vietata la lettura quindi ai masochisti decisi a vedere il film)

Che film. Incredibile. Tornando verso casa pensavo "Ma ti rendi conto? Non vedo l'ora di avere un figlio per poi vederlo crescere, vederlo raggiungere l'età della ragione... poi un giorno gli insegnerò a farsi la barba e dopo, magari sorseggiando una birra insieme, gli racconterò questo film". Sono cose che formano l'animo umano. Partiamo dal paratesto: sala piccola ma piuttosto piena. Pubblico prevalentemente femminile, età piuttosto alta, gran sfoggio di pellicce residuali dagli anni '80. I due bambini presenti corrono per il corridoio centrale della sala schiamazzando. Nessun(a) spegne il telefonino. Durante i titoli di testa squillano almeno 4 telefoni e arrivano un bel po' di sms. Nessuno si lamenta o osa fiatare. Dopo l'ingresso in scena del bel Richard, avviene ciò che mi ricordavo accadde all'apparizione di Leonardo Di Caprio in Titanic: tutto il pubblico femminile esplode in un sospirato ma rumoroso "ahhhhhhhhhhhh...". Per adesso tutto bene. Venti minuti dopo, i segni d'impazienza si fanno concreti. Un marito portato con la forza dichiara "madonna, quanto rompe le palle lui...". Alla fine del primo tempo qualche sospiro e molti brontolii. Verso la fine mi sembrava di essere tornato indietro nel tempo: la stessa sensazione che si provava nell'ultimo quarto d'ora della lezione di venerdì, messa sadicamente alla 5°ora, di matematica in 5° liceo durante una giornata di sole di maggio. Nessuno ne vuole mezza. Lo senti concretamente nell'aria. Appena si accenderanno le luci, lo sai perfettamente, tutti scapperanno e andranno fuori riassaporando la libertà. Scendendo le scale mi avvicino a una coppia di donne strette nelle loro pellicce di moda quasi 30 anni fa. Le due camminano lente a braccetto. Dopo qualche secondo di silenzio, la più arzilla guarda l'altra e dice "Ma allaura c'ha ragione il mio Claudio a vedere quei films la col sangue e la paura. Almeno la si capisse qualcosa...". Vittoria. Freddy Kruger batte Richard Gere. Almeno per i prossimi quattro minuti. Poi tutto tornerà alla normalità, ma almeno per quattro minuti anche una donna in pelliccia con a casa un 25 enne patito d'horror ne ha le palle piene di Juliette Binoche e di Richard Gere.

La storia: tratto dal romanzo di Myla Goldberg, Parole D'Amore (in lingua originale Bee Season, La Stagione dell'Ape), racconta la storia della famiglia Naumann, benestante famiglia ebrea di Oakland, California. Lui, Il bel Richard, è un professore di studi religiosi. Bello, giovanile, impegnatissimo, dinamico, amato dai suoi studenti, ha fatto studi cabalistici su cui ha basato la sua tesi. Cucina per la famiglia, aiuta la figlia genio nei suoi studi, suona il violino con il figlio problematico. Tra un piatto e una suonata di Bach se ne esce spesso con delle frasi del tipo "L'universo è Dio, Dio è Amore, la luce divina che compone le cose - che sono composte da parole che ci ha dato Dio, che è Amore Divino - è la luce dell'Amore che ci fa capire la complessità dell'Universo delle Parole dell'Amore di Dio. Che è Luce." Poi mangia una mela sorridendo e ammiccando verso la macchina da presa. E le pellicce fanno "ohhhhhhhhhhhhhhh".

Lei, la bella Juliette Binoche, è perennemente scocciata, non riesce a cambiare espressione neanche sotto tortura, è evidentemente annoiata sessualmente, non sopporta (giustamente) il marito, ha dei flashback incomprensibili di un incidente stradale, vaga in stato di trance - non si capisce facendo cosa - in alcune case a noi spettatori sconosciute, regala caleidoscopi e camicette vecchie alla figlia genio.

Il figlio è geloso della sorella genio, non sopporta (giustamente) il padre, è in cerca di una spiritualità che lo possa aiutare a non dare di matto ogni volta che il padre gli racconta cazzate come quelle di cui sopra.

La figlia sembra un automa, si sente trascurata dal padre (che è impegnato a spiegare l'intensità dell'Amore Divino mentre cucina del tofu), guarda con sufficienza il fratello problematico, non capisce perché sua madre abbia la monoespressione ma poi le regali dei caleidoscopi dicendo "Mi piace come cattura la luce", ma ha un dono. Eccelle nello spelling. Apriamo una parantesi: le gare di spelling vengono fatte nelle scuole elementari e medie americane per due ragioni. La prima è che nella lingua inglese le parole non vengono pronunciate come si scrivono, la seconda è perché hanno un'istruzione piuttosto ridicola. Li sono una cosa piuttosto normale (spesso si vedevano nei Simpson) in Italia non hanno senso. La figlia genio del bel Richard e della bella Juliette è un vero fenomeno nello spelling. Gare su gare, batte tutti, non la frega nessuno. Le dici anche parole difficilissime tipo "psoriasi", ma non la freghi. Strano perché il resto dei bambini impegnati in queste gare scazzano in continuazione (l'effetto per noi italiani è quello di vedere un bambino di 12 anni incapace di parlare correttamente). Ma come fa la figlia genio? Semplice. Lei va in trance. Chiude gli occhioni azzurri e ha delle visioni o delle allucinazioni. "Prima visualizzo le parole, poi le sento dentro di me, poi le vedo nella loro essenza" rivela la pargola alla madre. Wow. E pensare che il padre studia la cabala. Sarà l'essenza della Luce divina che compone le lettere che compongono le parole che compongono l'universo che è composto dall'amore della luce divina che è amore ad aiutare la fanciulla? Non si sa. Nel dubbio, via con del digitale a caso.

Come si evolve la situazione? Allora: si scopre che mamma Binoche non ci sta tanto con la testa. Si addormenta sul tavolo della cucina, le spuntano bozzi sulla testa, dice cose senza senso. Nel tempo libero si diverte a entrare in case altrui rubando oggetti a caso che colleziona segretamente in un garage comprato all'uopo. Viene sorpresa, arrestata, rinchiusa in un ospedale psichiatrico. Il bel Richard non capisce, va in ospedale e chiede spiegazioni. Lei lo guarda con occhio spiritato e farfuglia cose tipo "hai visto gli oggetti che belli, trattengono tanta luce... l'ho fatto per mettere insieme i pezzi di una vita andata in frantumi". Il figlio incompreso viene impezzato da una gnocca assurda conosciuta al parco. Dopo un secondo lei gli rivela di essere buddista e, ovviamente, felicissima. Lui, ebreo, tre giorni dopo si converte. Non rivela ai genitori di frequentare una buddista che lo porta in case piene di buddisti (per comodità la casa dei buddisti ha le porte arancioni) e, una volta scoperto, reagisce come un figlio che vuole andare contro le volontà dei genitori in discoteca la domenica pomeriggio. Il padre lo insulta dicendogli "Ma va come vai in giro vestito, con un mantello arancione". Il padre rompe le palle a tutti. Parla in continuazione ostentando una calma e una sicurezza che vengono puntualmente smentite. Nella scena clou del film è li che cucina il pollo alla griglia per la sua famiglia, che piuttosto che stare con lui guarda intensamente degli alberi in silenzio. Lui parla, parla, parla di tutto, di quanto è figo a fare il pollo "che è composto da Amore Divino e da Luce Interiore fatta d'Amore della Parola di Dio" e cose del genere. Arriva di colpo la gnocca buddista a trovare il figlio, che all'idea di potersene scappare dal padre esulta come i bambini di Genius. Richard non demorde e invita la gnocca a mangiare il pollo. "No grazie, sono vegetariana" "Ah! Ma faccio anche dell'ottimo Tofu!". Ed è a questo punto che in sala, il marito portato con la forza esplode nel liberatorio "maddona, quanto rompe le palle lui...". Richard sembra aver sentito e da questo momento in avanti si concentra solo sulla sua bambina genio e le insegna, con una superficialità disarmante, i principi della cabala: "Guarda, alla fine fai così, fai cosà, e raggiungi l'estasi" La figlia cade in trance al primo colpo e continua ad avere visioni. Arriva alla finale tipo mondiale di spelling e qui, per far tornare tutto alla normalità, sbaglia apposta l'ultima lettera dell'ultima parola (anche se una fenice infuocata fatta di carta le indica quella giusta). Richard piange per la sconfitta, ma tutto torna a posto. W la felicità. Il tutto in 104 minuti che paiono interminabili. Il fatto che nei titoli di coda venga salutato Anthony Minghella (Che se non sbaglio si vede in un simpaticissimo cammeo. Sicuramente recita suo figlio Max), dovrebbe rendere l'idea di quanto può essere palloso questo film. Ma è l'inutilità e la superficialità del film a stupire: si punta in alto, come si volesse puntare tutto sul lato e la fascinazione "letteraria" per realizzare un film d'autore, per poi svogliatamente firmare un film noioso, sciatto, recitato male e girato senza stile alcuno.

Concludo con una serie di bizzarre segnalazioni: poi io magari sono fissato, e passo per Woody Allen all'inizio di Io e Annie quando dice "hai sentito come ha detto Wagner?" però il film mi è sembrato particolarmente anti-comunista. In un flashback vediamo il figlio di Ricahrd Gere guardare fuori dal finestrino di un aeroplano. Essendo notte ed essendo posizionato vicino all'ala, il pargolo vede solo una luce rossa. Molto ingenuamente il bambino si volta verso il padre chiedendo: "Papà, Dio è rosso?". Richard Gere ride e risponde "No figliolo, direi proprio di no". Nella gara di spelling finale, sul palco ci sono molti ingrandimenti delle prime pagine dei vecchi quotidiani che riportavano la foto del vincitore delle vecchie edizioni. Se ci fate caso, molte delle notizie di spalla non sfigurerebbero su Il Giornale. La paura verso la Corea del Nord, elogi del maccartismo. Durante le gare vengono inquadrati, ovviamente una marea di bambini: quelli che sbagliano sono prevalentemente afroamericani o asiatici. Lo so, detto così sembra paranoia, ma la cosa è veramente insistita.

FEDEmc

Match Point, Woody Allen, USA/GB 2005

(E per sicurezza dico: occhio, spoiler. Ma chissà se ci sono davvero.)

Non c'è, di solito, una vera e propria attesa, ultimamente, per i film di Woody Allen. Per chi scrive è una placida certezza vedere i suoi lavori al cinema, anno dopo anno, con una regolarità impressionante. Le uniche novità recenti hanno riguardato il modo in cui Allen promuove i suoi film: dopo il contratto con la Dreamworks, infatti, anche lui ha dovuto adeguarsi allo showbiz e rilasciare interviste a "grandi media", con poca possibilità di negoziare le sue apparizioni, un tempo ben più rare. Per quest'ultimo meraviglioso Match Point Woody è andato da Mentana e da Bonolis e, da quest'ultimo, ha rilasciato dichiarazioni dure e pessimistiche su vita, religione, carriera e morte (per avere un'idea di quello che ha detto, qui c'è un file Word con la trascrizione dell'intervista: cliccate con il pulsante destro e scegliete "Salva oggetto con nome). Dichiarazioni che rispecchiano perfettamente la cupezza e la crudeltà che regnano sovrane nel film.

Con Match Point Woody rilegge alcuni grandi temi del suo cinema, temi alti come il delitto, la punizione e la colpa, che già avevano trovato una magnifica trasposizione in Crimini e misfatti. Ma di rilettura si tratta: Allen ambienta il suo film a Londra, in un'alta società che non è, come nell'altro film citato, quella della borghesia ebraica newyorkese, ma quella dell'aristocrazia inglese. Accenna, senza voler fare alcuna critica di costume, ad enormi ricchezze, a matrimoni naturalmente combinati, e fa cozzare con tutto questo i due protagonisti del film. Lui, Jonathan Rhys-Meyers, è un irlandese maestro di tennis, ex-possibile testa di serie ATP. Lei, Scarlett Johansonn, è un'attrice americana che ha scarsi risultati. Non sono personaggi simpatici, così come non sono simpatici i componenti della famiglia inglese con la quale i due hanno a che fare. Allen, tuttavia, crea con maestria caratteri veri, che non è possibile liquidare con l'etichetta buoni/cattivi: ognuno ha qualcosa di gradevole e accettabile. Cosa rimane, allora, per prendere una posizione qualsiasi, per dare un ordine alle cose, per avere un punto di vista?

Non rimane la giustizia: la polizia si affida a rivelazioni (giuste) avute nel mezzo della notte, disattese da una "prova provata" falsa. Non rimane l'abilità: Rhys Meyers interpreta un ex-giocatore che, probabilmente, poteva davvero essere qualcuno; non sappiamo se e quanto sia veramente scarsa l'attrice impersonata dalla Johansonn. Non rimane altro che la fortuna, l'elemento che fa andare una palla da tennis oltre la rete, che fa vincere una partita, che fa vedere all'ultimo momento un bossolo caduto. In questo Allen sembrerebbe riprendere alcuni temi davvero ancestrali: la drammaturgia greca è da sempre presente nelle sue opere (basti pensare alla presenza del coro in La dea dell'amore o al bellissimo atto unico Dio). E quindi, nel prefinale, ci mostra visioni di spiriti che preannunciano, come Cassandre, punizioni giuste per chi ha ucciso, sofferenze e dolore. Nella stessa notte dell'apparizione, la giustizia viene "illuminata". Potrebbe esserci, quindi, un finale "giusto" e "sacro".
Invece no. La vita continua, volgare e impunita e un nuovo essere umano arriva in questo (schifo di) mondo.

Francesco

Per parlare di questo film forse sarebbe opportuno confrontarlo con il (bellissimo) King Kong di Peter Jackson, su cui prima o poi scriveremo, abbiate fede. Perché si tratta dei due film “americani con effetti speciali” offerti dalla distribuzione a Natale, e gli unici due titoli in grado di competere al botteghino con Pieraccioni e Boldi/De Sica.

Si tratta, a parte della larga comunanza al genere fantasy, di due prodotti completamente diversi autore vs. regista qualunque, remake vs. tratto da un romanzo per l’infanzia, film spettacolare ma di difficile digestione vs. film meno spettacolare ma che scorre liscio come l’olio e, infine, dibattito cinefilo vs. dibattito ideologico. Non sottovaluterei anche il fatto che si parla di storia triste vs. storia di un trionfo. Tutto questo per dire che Le cronache di Narnia è andato meglio al botteghino del ben più atteso King Kong, sebbene i debiti nei confronti del jacksoniano Signore degli anelli siano tanti, e la sensazione forte è quella di stare vedendo appunto Il signore degli anelli in versione scema, tenendo sempre presente che la trilogia non è L’anno scorso a Marienbad.

Il succo è quindi che si hanno pregi attutiti e difetti esacerbati. Tra questi ultimi, abnorme l’incapacità di dare un reale respiro epico alla narrazione, se non facendo dire delle frasi da action movie di serie B però medioevalizzate (per riprendere un esempio sotto, si passa da “ti faccio un buco in testa così prendi aria al cervello”, a “Messere, le trafiggo l’elmo con un dardo acciocché la sua cerebra si arieggi”), alternata a galoppi e duelli sparando musica tonitruante.

A onor del vero, il film non è per nulla male nella prima parte, quella dell’accesso al mondo fatato di Narnia attraverso l’armadio: lo stupore di sguardo dei bambini è condiviso, le creature che vengono presentate (compresa la strega cattiva) sono affascinanti e abbastanza sorprendenti, le dinamiche tra i quattro fratelli protagonisti abbozzate perlomeno con coerenza. E poi un mondo bloccato in un inverno senza fine ha il suo fascino.

Insomma, fin quando il mondo è cupo e il male predomina, il film funziona. Nel momento in cui entra in scena il Bene, il film comincia a balbettare: su tutto, gli eventi successivi sono compressi temporalmente in modo spaventoso (es. la liberazione di Edmund dal campo nemico non dura più di due minuti) e sembra davvero di trovarsi di fronte ad una serie di funzioni proppiane, ma pensando che Morfologia della fiaba è più appassionante. Il passaggio da ragazzini impauriti ad eroi e condottieri, la prova qualificante di Peter, la preparazione alla battaglia finale. L’unica sequenza che ottiene lo spazio necessario è quella del sacrificio del leone Aslan, e la sua resurrezione, sebbene sia preparata in modo abborracciato e davvero sembra “ora vi faccio la metafora cristologica che tutti aspettate.”

E questo è il tasto più delicato, il coté religioso-ideologico. Due premesse sono necessarie: il fantasy in quanto genere, letterario e per trasposizione diretta cinematografico, si può definire – per quanto non sia molto intelligente come distinzione – come “conservatore”. Nel senso che ci sono Bene e Male, con la maiuscola, che corrispondono a Ordine e Caos, che si fronteggiano per segnare i destini di un intero universo, e questi destini sono legati ad un atto di eroismo individuale (o di un piccolo gruppo). Nessuna sfumatura, a cui si aggiunge un contesto medioevaleggiante con cavalieri, armi ed onori. Ma questo non è un difetto, è solo una constatazione di struttura. L’altra premessa riguarda l’atteggiamento critico che si può facilmente assumere nel rapportarsi a questi film “religiosi”, nel senso di svalutare la religiosità di cui sono portatori definendola artefatta, banale, grezza e cose del genere. Una posizione un po’ da corsivista di Repubblica, insomma. Se qualcuno vuole vedere in Narnia una parabola teo-con, un’allegoria cristiana che corrisponde alla propria visione della fede faccia pure.  

Ci sta però che questi valori che vengono attribuiti in generale al testo non siano dovuti ad un’interpretazione, ma ad un uso del testo, primariamente il romanzo e poi il film. In Narnia vengono sì messi in gioco dei valori tradizionali, ma nessuno di più –e non detto meglio – di quento non fosse fatto nella Trilogia di Peter Jackson. Ma da qui ad essere un film “cristiano” ci passa davvero molto. Per esempio la figura di Aslan, che secondo quello che si è letto in giro dovrebbe rappresentare Cristo, è inadeguata da molti punti di vista. Innanzitutto narrativamente schiaccia tutta la seconda parte del film, come se l’attenzione fosse messa solo sul rapporto di significazione Aslan/Cristo, per cui tutto il resto è sacrificato. Ma questa significazione è importata dall’esterno, dal discorso sociale sul libro e sul film, e non da risorse interne. Siccome l’aspettativa, il punto del contendere è questa metafora, quello che viene considerato dal film è solo questo elemento, e per ottenere questa possibile “interpretazione cristiana”si fa traballare tutto ciò che sta attorno. E se la narrazione circostante cede, l’intenzione simbolica si trova isolata e priva di energia e sensatezza. Ma questo significato viene costruito? Direi proprio di no: da un lato non funziona come allegoria (attraverso un rapporto più codificato) perché le differenze con la vita di Gesù raccontata dai Vangeli e con le forme di rappresentazione canoniche sono enormi. Dall’altro non funziona nemmeno come simbolo: la sua presenza e quello che dice ricordano più il Divino Otelma che qualsiasi figura cristiana. Trasforma i ragazzini in eroi: ma questo insegnamento e questa crescita non sono verosimilmente creati né attraverso le parole, che sono deboli e piatte, né attraverso la sua presenza, che non riesce mai ad essere magnetica, profonda.

Insomma, c’è da chiedersi perché un mediocre film fantasy venga agitato come bandiera ideologica.

manu